El pasado día 3 de diciembre se falló el prestigioso premio Turner, de arte contemporáneo, en favor de Elisabeth Price. Y no es baladí, pues es el primer premio otorgado a la videocreación.

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Los inicios del Premio Turner

Con motivo de adquirir obras de arte novedosas para la colección de la Tate Gallery, y dar una mirada revisada al arte contemporáneo acercándolo a la sociedad, nace en 1982 el grupo Mecenas del Arte Nuevo (Patrons of New Art).

Para ello tomaron como excusa y nombre, en una acción de emcumbrar, a uno de sus más famosos pintores románticos Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Su predilección por Turner se justificó por el impacto de su obra, la controversia que generó en su tiempo  y su intención de establecer un premio para artistas jóvenes.

Surgieron  para vanagloriar el impacto de los artístas de arte contemporáneo británico. Por esa razón, el premio, causa desde sus inicios mucha expectación, ya que está considerado uno de los más importantes del mundo, en su categoría. Sus seleccionados son el termómetro que muestra los movimientos artísticos del panorama británico y a su vez del arte contemporáneo. No quedando ahí la cosa, pues la composición de su jurado también muestra los profesionales, ya consagrados, más valorados institucionalmente.

Desde sus primeros albores, allá por 1984 fue motivo de críticas, en cuanto a las reglas del certamen, pero con el tiempo, ninguna de ellas quedó en saco roto y fueron modificándose.  Los galardones caían, hacia las más destacadas personalidades del  mundo artístico british. Extendiéndose las nominaciones tanto a sectores profesionales del arte, como críticos y comisarios. En lo que se refiere al límite de edad fue instaurado en 1991. También es, desde ese mismo año, cuando se decide publicar las listas con un máximo de cuatro finalistas. Y la instauración, tal como la conocemos hoy, de la exhibición de sus trabajos.

 Su primer patrocinador fue Oliver Penn, fundador de Mecenas del Arte Nuevo, quien se mantuvo en el anonimato. La cuantía del premio era de £10.000. Desde 1987 hasta 1989 el patrocinador fue la compañía de inversiones americana, Drexel Burnham Lambert International Inc. En 1990 la compañía se declaró en bancarrota y se suspendió el premio.  El canal de televisión Channel 4 fue el patrocinador entre 1991 y 2003 aumentando la cuantía del premio a £20.000. A partir de entonces la marca de ginebra Gordon’s ha tomado el relevo y doblado el premio a £40.000.

Polémica, controversia y críticas 

Su fama, dicen las malas lenguas, que es causada por los escándalos en los que se ha visto envuelto, desde su creación y en numerosas ocasiones. En la actualidad, muchas críticas afirman que el factor sorpresa ha desaparecido,  incluso hay quien afirma que el premio goza de cierta decadencia. Quizás por ello, éste pasado diciembre eligieron a una videocreación, modalidad por qué no decirlo, muy en boga en la actualidad.

Pero a decir verdad y haciendo un ejercicio de positivismo, podemos decir que ha generado multitud de debates en torno a qué debemos considerar arte y qué no.  Además es justo destacar, la enorme calidad de los trabajos de los  candidatos de éste año, que ha sido reconocida por la crítica, sin obviedades. Los mismo que, han disipado, este año, la idea de que el galardón está en decadencia. Esto puede deberse también a la aceptación del arte contemporáneo por  parte del público en general.

Los emblemáticos por excelencia

Haciendo un ejercicio de memoria, podemos destacar también los artistas más carismáticos, como Damien Hirst (1995), quien por entonces exponía animales en formol. Chris Ofili (1998), por pintar con estiércol de elefante. Tracey Emin¹ (1999), sin duda la reina acaparando las críticas más duras por exponer parte de su dormitorio con su cama deshecha y objetos íntimos usados.  Los hermanos Chapman² (2003), les enfants terribles que garabatearon sobre reproducciones originales de Goya. O Grayson Perry (2003), ridiculizado por su kitsch alter-ego travesti Claire.

My bed. Tracey Emin

Premio Turner 2012

Como enuncié al principio, el premio Tuner actual recayó en Elisabeth Price, en  su videocreación ‘The Woolworths Choir of 1979‘ en una edición marcada por la calidad y la heterogeneidad de los candidatos. Según afirma Ramón Abarca, desde la agencia EFE en Londres.

Con un sofisticado y poético vídeo, donde prima la tecnología como técnica, como bien acuña la crítica en general,   sobre un   incendio  de  unos grandes almacenes, la artista, la más anónima de los nominados, se hizo con el galardón. Que fue entregado por el actor Jude Law, dentro de una ceremonia, en el museo Tate Britain, donde destacó el carácter y las ansias, por parte de la institución, de renovar el premio.

La exposición con el trabajo de los cuatro candidatos y la ceremonia del premio volvió este año a celebrarse en Londres, después de que por primera vez en su historia viajara en 2011 hasta la ciudad de Gateshead (noreste de Inglaterra).

Una ganadora en un mundo de hombres

Desde que en 1993 lo ganara por primera vez una mujer, Rachel Whiteread, el Turner sólo había ido a parar a artistas femeninas en 1997 y 2010, cuando lo lograron la inglesa Gillian Wearing y la escocesa Susan Philipsz, respectivamente.

Es por ello que Prince, de 45 años, se ha convertido en la cuarta mujer en hacerse con el galardón más importante de arte contemporáneo del Reino Unido.

Elisabeth Prince

Price, que fue miembro de grupos de música indie-pop como Talulah Gosh y The Carousel, se impuso al favorito de las casas de apuestas, el inglés Paul Noble, que competía con unos gigantescos y escatológicos dibujos.

La obra premiada

En In Woolworths Choir of 1979, la artista inglesa se inspira en un incendio de unos grandes almacenes en Manchester en 1979 en el que murieron 10 personas. El vídeo está conformado con fotos de la arquitectura de una iglesia, clips de internet con ‘performances’ pop y unas imágenes inéditas del incendio real.

El trabajo de Price se expuso en el Centro de Arte Contemporáneo de Gateshead (Newcastle). En la pieza, el montaje y el sonido cobran mucho protagonismo para dar coherencia a un relato intenso y poético del suceso de 1979, que incluye los testimonios de algunos de los testigos.

Una videocreación, para remover conciencias, con lo que está cayendo en la actualidad. Y con la que la Tate ha conseguido colocarse, gracias a su premio estrella, de nuevo en el panorama más “it” del momento.

Notas al pie: 

¹ Expuso en el CAC Málaga el 28 de noviembre de 2008.
² Exposición inaugurada el 30 de abril del 2004 en el CAC Málaga

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Os dejamos con algunos de sus trabajos.

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Esta instalación pertenece a Pilar Albarracin. No tenemos mejor manera de explicar su obra que recomendaros este reportaje de Metrópolis.

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 Javier es un joven diseñador nacido en Santander, aunque residente en Málaga, especializado en Diseño 3D y animación.

 Os dejamos con la entrevista que le hemos realizado en la que nos habla de sus intereses, su formación y de sus proyectos futuros.

Javier Fernández Roldán

ENTREVISTA

CF: ¿Cuándo  decidiste dedicarte al diseño y a la animación?

JF: Cuando era niño no era muy sociable y pasaba mucho tiempo solo, lo que me ayudó a desarrollar mucho la imaginación y crear un pequeño mundo en mi cabeza. Antes de llegar a los 15 años ya me di cuenta de que la forma establecida de paso de la secundaria, al bachiller y a una carrera, no era la manera en que quería enfocar mi aprendizaje. Tras un año en un módulo superior de gráfica publicitaria que no terminé, ya que tanta carga teórica era lo que menos me llamaba, vi que el diseño me atraía muchísimo. Cuando empezaron a aparecer las primeras películas de animación por ordenador fue como encontrar el santo grial. Aquel era mi mundo. Algunos años antes, y gracias a un primo informático, conocí un programa de 3D, que por aquel entonces aún era algo muy básico. Aquello sembró las semillas para, después de terminar una etapa laboral dando tumbos en distintos tipos de trabajo que no me motivaban, decidí armarme de valor y abandonar mi ciudad natal, Santander, para mudarme a Málaga donde estudiar y trabajar en el mundo del 3d y la animación.

CF: ¿Cómo te formaste en esto del diseño en 3D? 

JF: Comencé a aprender cosas de diseño con un curso de infografía en medios audiovisuales, donde aprendí lo más básico del retoque fotográfico en Photoshop, edición de vídeo en Premiere y algo de 3ds Max. Seguí con un master online enfocado al 3ds Max ya que ya había decidido que el 3d era lo que más me gustaba del mundo del diseño. Hace 4 años vine a Málaga para hacer un Master en modelado y animación de personajes con XSI, un programa diferente de 3ds y, tras terminarlo, al ver que aún había cosas que quería aprender, me realicé otro Master en Infoarquitectura y Motion Graphics. A partir de entonces, todos los días intento aprender algo nuevo por mi cuenta.

CF: ¿Qué haces cuando no estás diseñando? ¿A qué dedicas tu tiempo libre?

JF: Me gusta mucho pintar figuras de coleccionismo, empecé ya hace más de 15 años y tengo un montón en casa. Paso mis ratos de ocio viendo series de anime y jugando videojuegos en el ordenador, principalmente juegos de rol con los que aprovecho para practicar mi inglés. Y por las noches siempre dedico un ratito a leer sagas de fantasía o novelas de intriga.

CF: ¿Cuáles han sido tus últimos proyectos? ¿Hay alguno que consideres más especial que el resto?

JF: Además de la portada, el último trabajo que he hecho es sin duda uno de los que más me ha gustado, el diseño de cubiertas para la primera novela de uno de mis mejores amigos. También, a través de la productora Bezoar Studios, que he formado junto a mi pareja, grabamos, compusimos y editamos unos vídeos promocionales para colgarlos en internet y dar más repercusión al libro. Espero seguir realizando más proyectos a través de este sello. Los otros trabajos que he estado haciendo últimamente son diseños de interiores para farmacias, tanto remodelaciones como nuevas aperturas, y levantamientos en 3d de proyectos para varios arquitectos. Todo en mi faceta de infoarquitectura. También estoy preparando unos personajes para animación de cosecha propia, mientras me decido por un formato de cortometraje o por pequeños episodios. Aunque puedo dedicarle poco tiempo.

CF: ¿Cómo es tu proceso de creación?

JF: Las ideas normalmente son espontáneas y tengo que buscar referencias en imágenes reales o de otros artistas y diseñadores que me ayuden a definir mi visión y continuar con mis propias herramientas a partir de ahí. Nunca me ha gustado trabajar sobre el papel, paso directamente de mi mente a plasmarlo en 3d con el ordenador. Lo que puede resultar un poco caótico es que tengo un montón de proyectos empezados y voy saltando de uno a otro según los momentos de inspiración.

CF: ¿Cuáles son tus influencias o referentes a la hora de crear?

JF: Además de la simple imaginación, internet, sin duda es un lugar donde a menudo busco inspiración. Alguna imagen que despierte algo en mí y me pida desarrollar y crear algo a partir de ahí. Del mundo del cine, Pixar siempre aparece como el máximo nivel al que uno quiere llegar algún día. Los últimos proyectos personales que intento terminar están basados en el trabajo de dos dibujantes de cómic españoles a los que conozco.

CF: Para terminar la entrevista nos gustaría que nos hablaras sobre tus proyectos futuros

JF: Continuar con mi trabajo freelance actual en infoarquitectura y diseño de interiores, que es mi fuente actual de ingresos. Intento definir una propuesta de colaboración para una serie animada para internet y terminar un videojuego que estoy diseñando. Por supuesto, sé que tengo que seguir formándome como animador, una de las cosas que quiero hacer es aprender animación en Flash.

Si quieres conocer más a fondo el trabajo de Javier, no dejes de visitar su blog en el que podrás ver todos los proyectos en los que está inmerso en la actualidad. 

Chica

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Es una performance que lleva por título “El camino se hace al andar” de Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) Ferrer ha sido considerada la artista de acción más importante de nuestro país. En el 2008 le fue otorgado el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Os dejamos con varios vídeos para que conozcáis más su trabajo. Os recomendamos que no os perdáis el monográfico que le dedicó el programa Metrópolis.

Pinche aquí para ver el vídeo

Pinche aquí para ver el vídeo

Metrópolis – Esther Ferrer

• Metrópolis – Esther Ferrer

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Desde ANHAD queremos apoyar este proyecto, por lo que los cuatro enigmas de esta semana serán obras de artistas españolas.

Te animamos a que visites la web en la que podrás ver todas las actividades programadas.

http://www.festivalmiradasdemujeres.com/

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Sumario:

Novedades
Agenda de exposiciones

Panorama
Erró: El maestro del collage
¿Las raíces del arte conceptual en Múnich o propaganda historicista?

Espacio fotografía
Diane Arbus

Cultura alternativa
Walking Gallery

Estética contemporánea
Kaj Stenvall y su mitificación del Pato Donald

Descubriendo nuevas fronteras
¿Quién dijo que los grandes artistas fueran occidentales?

Nuevos talentos
Javier Artero

Interferencias: Arte y Diseño
En portada: Xero Fernández

Diseño
Moderna de Pueblo
Gae Aulenti
Yayoi Kusama y Louis Vuitton
Oscarson Elding
Purist Washroom Fantasy
Drop Eco Hotel

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“La cúpula de Barceló es también conocida como la Capilla Sixtina del siglo XXI ¿Durará lo mismo que la obra de Miguel Angel?” 

El arte contemporáneo, sus soportes y técnicas, son actualmente un reto por la conservación. Justamente el pasado 24 de enero el MNAC organizó una mesa redonda titulada Materiales del arte contemporáneo: un reto para la conservación que contaba con Perejaume, Joan Fontcuberta, y Xavier Rosell, restaurador del MACBA, como ponentes.

Hay artistas que no quieren que sus obras sean restauradas, sino que la temporalidad de la obra forma parte de la propia naturaleza de esta. Para ellos la pieza debe degradarse de forma natural hasta que desaparecer. Es una actitud muy en la línea del Romanticismo. Paralelamente a esta tendencia hay otros artistas que, siendo conscientes de la temporalidad de su pieza, creen que la pieza ante todo debe permanecer y para ello llegan incluso a sustituirla por otra igual de nueva creación. El ejemplo más notable de este segundo caso es la sustitución del tiburón en formol de Damien Hirst.

El arte contemporáneo ha dejado de guiarse bajo el patrón de durar lo máximo posible. Ahora el arte es consciente de su vida efímera como sucede en las performances, el Land Art o en las instalaciones. Sin embargo, para la el campo de la restauración y de la conservación se plantea un gran debate ¿Se deben restaurar estas piezas? ¿Cómo deben realizarse estas acciones? ¿Deben respetarse las decisiones de los artistas o debe primar la perdurabilidad de la pieza?

Para contestar a todos estos interrogantes hemos abierto este espacio de debate. Para participar deja tu comentario. También puedes participar en Facebook y en Twitter #restaurarAC

La entrada Debate: La restauración del arte contemporáneo aparece primero en ANHAD.

Es un proyecto organizado por  Veo Arte en todas pArtes y el grupo de investigación SU+MA, y esta es su segunda edición. Se estructura en tres grupos de trabajo en los que numerosas personas y organizaciones han ido presentando una ponencia acerca de cómo se crea, se comunica y se transforma la cultura en la actualidad.

En ANHAD hemos querido aportar nuestro granito de arena al proyecto y hemos realizado una presentación dedicada a el emprendimiento cultural, basado en cómo se puede crear una revista digital y qué herramientas son necesarias. Hemos querido demostrar que no es algo nada complicado y que está al alcance de todos los interesados. Desde ANHAD os animamos a iniciar una experiencia formativa y profesional autodidacta tal y como estamos haciendo nosotros.

Os dejamos el enlace a nuestra breve presentación . Esperamos vuestros comentarios ¡Qué se inicie el debate!

http://arteyuncafe.veo-arte.com/archives/2128

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Por Miriam Callejo Sebastián

En nuestra concepción eurocentrista -deliberada o inducida-, tendemos a creer que no hay más arte que el Occidental, que lo realizado en Oriente carece de la transcendencia en el devenir de la Historia del Arte, de hecho, es posible que haya quien se pregunte qué tipo de arte existe en Asia al margen de los pocos ejemplos de arquitectura o escultura que han pasado a la historia. ¿Qué pasa con la pintura? ¿No había pintores, dibujantes o grabadores al mismo tiempo que Durero hacía sus grabados, Goya realizaba sus obras más famosas o Picasso sus bocetos, pinturas y dibujos, por citar unos ejemplos? Pues sí, lo había, pero a nosotros, occidentales, nos ha llegado de forma fragmentada, de soslayo por así decirlo. Un poco con los impresionistas, un poco con la época de los imperialismos europeos en su llegada a Asia y el Pacífico; simples pinceladas. Quizás algún interesado ha llegado a conocer los grabados Ukiyo-e por cuenta propia. Otros, recuerdan haber visto “dibujos chinos” (porque, para nosotros, todo es chino), sobre todo, uno de una ola. Esa ola que al verla   lo   primero que evoca es un tsunami, ese tsunami cuyo origen es japonés y, ese “dibujo”, que en realidad es –una reproducción de- una xilografía, forma parte de una de las grandes obras de la Historia del Arte nipón, asiático y sí, mundial; las Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji de Hokusai.

El dibujo japonés y  el arte de la xilografía: Ukiyo-e

Mientras que la pintura de gran formato quedó relegada mayoritariamente al interior de templos, el dibujo fue la expresión artística más extendida desde el Japón medieval. Ya desde el siglo VII se han conservado dibujos caricaturescos y paisajes, cuya línea temática y formal permanece a lo largo de los siglos. La presencia de la caligrafía en muchas de las obras artísticas japonesas, es sinónimo de la relevancia de la práctica de la escritura, un arte en sí mismo, dotando de mayor significado y profundidad de contenido lo ya representado.

Principalmente desde el Periodo Edo (1603-1868), la temática más empleada y de mayor renombre en el panorama artístico japonés fue el Ukiyo-e, o “pintura del mundo flotante”. Con un origen religioso, aludía a lo fugaz y perecedero de la vida que, a partir del periodo ya mencionado, su significado cambió en los matices y se transformó en sinónimo de la moda, el ocio, y el disfrute. Es por ello que dos de los grandes temas representados en los Ukiyo-e sean los actores y escenas de teatro kabuki y las geishas. Sin embargo, en el siglo XIX, los temas reflexivos, los paisajes con los cerezos en flor o el imponente monte Fuji, retornan con fuerza. A medio camino entre la pintura y el grabado, su estampación parte de la xilografía china, realizado a partir de una ilustración inicial el tallado en negativo en la plancha de madera –generalmente de cerezo-, destruyéndose este. Tras esto se entintaba la plancha y se procedía a la impresión. Aunque en principio se realizaban a una sola tinta, a partir del siglo XVIII se comienza a introducir el color, dando lugar a maravillosas estampas llenas de matices cromáticos.

Los artistas más destacados del Ukiyo-e fueron Kitagawa Utamaro, Sharaku, Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige. Los dos últimos serán de quienes se hable a continuación.

 Katsushika Hokusai

 El devenir del arte japonés hasta la actualidad,  e incluso   el manga   y   anime actuales, mucho tienen que agradecer a Katsushika Hokusai (Edo, 1760-1849), autor de las obras más relevantes de Ukiyo-e de temática paisajística. Pasó toda su vida a caballo entre la capital japonesa, Edo [2] y las diferentes regiones del país, en un proceso de constante aprendizaje y perfeccionamiento. Su gran actividad viajera discurre en paralelo a su profusa actividad creativa [3], así como su permanente ansia de conocimientos y búsqueda de la perfección se corresponde con el casi medio centenar de sobrenombres que empleó hasta el punto de emplear indistintamente más de cinco en el mismo año. Aunque su vida artística se centre en las xilografías, comenzó y terminó su trayectoria realizando pinturas sobre seda. Sin embargo, sus ilustraciones han sido las que le han dado una posición relevante en la Historia del Arte, tanto de Oriente como de Occidente.

Hokusai. Casa del te en Koishikawa – c. 1830- Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji

Entre la obra de Hokusai, además de diversos manuales o guías de pintura, destacan las Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji (1826-1833), que posteriormente fueron aumentadas a cuarenta y seis, y su obra más conocida sobre esta temática del monte Fuji; Cien Vistas del Monte Fuji. Sin embargo, una serie de ilustraciones abocetadas realizadas en tinta china, tanto paisajísticas como habitantes en diversas actitudes cotidianas, ha sido una de las más imitadas y de mayor trascendencia, sobre todo para entender la historia del dibujo japonés; el Hokusai Manga. Surgido en 1812 como un encargo de unos trescientos dibujos, Hokusai Manga posee la peculiaridad de estar realizado en pequeño formato, al contrario de lo que se realizaba en aquellos momentos, así como ser dibujos rápidos solamente con tinta negra y, en algunos casos, tener una cierta continuidad narrativa. Hokusai Manga pasó a la tabla de madera para ser impreso, y terminó constando de 15 volúmenes, publicándose hasta 1878, varios años después de su fallecimiento. Tal fue el éxito de esta obra en Japón, que se convirtió en uno de los recursos de aprendizaje más utilizados por los dibujantes nipones. La técnica de superponer papeles transparentes al dibujo original para mejorarlo y completarlo con la que Hokusai realizó su Manga es la que hoy día se mantiene para la composición del comic japonés. En ello, además de los característicos paisajes, Hokusai realiza retratos de personas en diversas actitudes, o actividades. Siempre estudiaba detenidamente todas las posibles formas de representación, optando por la más completa u original, llegando a dibujar personas de espaldas o en posiciones poco vistas hasta el momento.

Hokusai Manga

Hokusai. El dragón de Humo

Su obra es objetiva, realista, e incluso didáctica, con gran predilección por recrearse en los detalles, tanto en los paisajes del monte Fuji como en los expresivos retratos del Manga, buscando el punto de vista más interesante. En momentos en los que tenía que explicar sucesos como las erupciones del Fuji, sin dejar de lado la mitología, reflejaba fielmente lo que ocurría realmente, como ocurre en la obra El Dragón de Humo Escapando del Monte Fuji. Su fijación por las formas sinuosas es más que notable, si se ven la gran cantidad de panorámicas del monte desde distintas perspectivas y distancias, así como por la representación de agua embravecido o figuras en movimiento.

Utagawa Hiroshige

Hiroshige (Edo, 1797-1858), cuyo nombre real era Ando Tokutaro se caracteriza por tener un estilo más subjetivo y personal que Hokusai. Con una vida menos ajetreada, realizó un número notable de obras, más de cinco mil, sobre todo Ukiyo-e.

A pesar de tener como motivación principal la pintura, Hiroshige, durante gran parte de su vida, tuvo que hacerse cargo de la estación de bomberos de su familia, por herencia familiar, hasta que pudo hacerse cargo de ello su propio hijo.

Como era común a principios del siglo XIX, visto ya en Hokusai, el monte Fuji fue sujeto de inspiración para Hiroshige, realizando su personal Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji (1858-1859 [3]). Asimismo, deja de lado otros temas de Ukiyo-e para centrarse en las escenas cotidianas de su país, reflejando la forma de vida del Japón decimonónico, el cual no debía de distar demasiado del de los siglos anteriores y que, con la llegada de la influencia de las técnicas arquitectónicas, tendió a desaparecer paulatinamente [4]. Cuando Hiroshige dispuso de un mayor tiempo libre al ceder el puesto de inspector de incencios a su hijo, se centró en reflejar el paisaje japonés, desde un punto de vista idílico realizando la serie Cincuenta y tres estaciones en el camino de Tokaido (1832-1834). Esta obra dio lugar a una pequeña guía de viaje a través de las vistas que se podían disfrutar durante dicha ruta entre Edo y Kioto, en el que además de las postales más emblemáticas, aparecían lugares de descanso, restaurantes y lugares donde alojarse. En sus Cien Famosas Vistas de Edo (1855) retrata los emplazamientos más emblemáticos de la ciudad con su habitual visión utópica, mostrando los cambios y permanencias que se iban dando en la capital. En este caso, es si cabe más agudizada, dado que en el momento de realizarla, aún permanecían latentes las consecuencias de un gran terremoto, del que no se ve ni rastro en las estampas. Esta obra fue la que mayor alcance tuvo en Occidente.

Hisoshige. En el Santuario de Akiba en Ukeji. Agosto 1857- Cien famosas vistas de Edo.

Es habitual en las estampas de Hiroshige, las estampas de personas guareciéndose de la lluvia, trabajando o viajando, así como paisajes desde la lejanía dejando totalmente a la vista la magnitud de lo representado. Se centraba en mostrar el lado amable de la vida, la cultura y la naturaleza japonesa, la belleza en lo positivo y, ocultando el lado oscuro que podría encontrarse justo al lado e incluso formando parte de la ilustración misma, como ocurre en las vistas de Edo, congeladas en el tiempo, incluso sin tener en cuenta la destrucción de un terremoto.

Hiroshige- Estacion 45 Shono- 53 estaciones en el camino Tokaido.

Con Hokusai y Hiroshige, la técnica del Ukiyo-e alcanza su cénit, así como la ilustración de vistas de paisajes reales, y las guías prácticas de dibujo en Japón. Son dos formas de contemplar Japón totalmente antagónicas, desde la interpretación de una misma temática hasta la elección cromática, sin contar con sus propias biografías, opuestas frontalmente. Dos miradas distintas que sin embargo, lograron captar la atención del resto del mundo, quien se giró para contemplar un país nuevo para ellos y descubrir una forma de entender el arte casi revolucionaria, hipnotizando a Van Gogh o Monet, entre otros.

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Notas al pie:

[1] En la cultura japonesa, así como en otros países asiáticos que hayan estado bajo influencia china, es costumbre que el nombre familiar, nuestro apellido, sea el primero en ser nombrado, escribiéndose a continuación el nombre de pila.

[2] Actual Tokio.

[3] Hokusai realizó más de treinta mil obras entre grabados, dibujos y pinturas, llegando a trabajar incluso durante la noche.

[4] Fue finalizada por su discípulo, Chinpei Suzuki, quien tomó como nombre profesional, Hiroshige II.

[5] Actualmente se continúan conservando las técnicas tradicionales de arquitectura japonesa, aunque, como es natural, han sido relegadas a un papel casi marginal en las grandes urbes pobladas de rascacielos.

 

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 Kaj Stenvall es un prestigioso artista de renombre finlandés que nace el día de navidad del año 1951 en la ciudad de Tampere. A pesar de su interés por la pintura desde joven, este pintor se hizo famoso a finales de los años 80 debido a la fascinación que muestra en sus obras por el famoso pato de Disney, por el Pato Donald. En la actualidad además de artista también cuenta con una coqueta galería en la ciudad de Helsinki.

Kaj Stenvall en la galería

El artista finlandés pinta con oleos, sin embargo como podemos apreciar, sus pinturas no tienen para nada aspecto antiguo. Stenvall no aspira a hacer un arte precioso, sino que usa sus obras como vehículo para expresar las emociones humanas. Es un especial admirador de Velázquez, Johannes Vermeer, Edward Hopper o el Romanticismo, y un excelente conocedor de toda la Historia del Arte, de lo cual no cabe la menor duda si nos atrevemos a profundizar en sus sorprendentes pinturas.

En un principio, nuestro artista intentó hacer un arte serio y con ese realismo que tanto le gustaba, pero desde la década de los 80 y hasta nuestros días comenzó a introducir personajes pop en sus pinturas. La pintura de Kaj Stenvall es realista, minuciosa y encantadora, sin embargo sumerge elementos fantásticos en cada una de sus obras llegándonos a mostrar un “surrealismo cotidiano”. Nos muestra a su famoso pato en diversas facetas, situaciones o mismamente incorporándolo como personaje central en las grandes obras de otros artistas.

El personaje principal en estas dos últimas décadas y algo más ha sido el pato. Pero no siempre es un pato blanco y masculino, sino que a veces encontramos un pato de otro color o una patita alegre, divertida y presumida. El blanco es una constante en sus obras, si observamos unas pocas de ellas lo podemos apreciar con gran facilidad, no solo en el tratamiento del pato o los patos, sino en todo lo que contiene la escena que nos está mostrando el finlandés.

Sus patos están totalmente personificados, muestran gestos y actitudes como si de seres humanos se tratara. También los viste como tal. Realmente lo que nos muestra Kaj Stenvall no son animales, no vemos ningún comportamiento animal, sino unos seres fantásticos mostrándonos todos los estados actitudinales o emocionales que puede llevar consigo cualquier ser humano.

El artista en sus pinturas captura con una sublime delicadeza emociones y expresiones en los rostros. Nos demuestra que además de un excelente pintor y compositor de todo tipo de escenas, es un perfecto conocedor de la anatomía facial. Sabe aplicar perfectamente el desarrollo de los músculos faciales humanos para personificar a sus fantásticos personajes.

Kaj Stenvall acertó utilizando personajes pop en sus obras y concretamente humanizando al pato, lo cual le llevó a tener este estilo tan propio y característico hasta el momento nunca visto. Son pinturas que a pesar de ser hechas en Finlandia, un país un poco lejano y frío para algunos, se nos hacen obras cómodas y cercanas al observador. Estas obras tienen realmente un diálogo con el espectador, a pesar de que en un principio puedan chocar o incluso tener cierto toque de absurdo, son realmente unas estampas que al observador se le hacen cercanas y cotidianas. Nuestro artista es una persona fascinada por todo el realismo y la tradición pictórica a lo largo de los siglos anteriores a las vanguardias, pero lleva este realismo de un modo muy propio, llegando además a lo cómico y a lo trágico, o al revés, con un buen toque de humor.

En palabras del propio Stenvall al análisis de su obra cabe añadir:

“El pato no es más que un símbolo, es el material que sirve de intermediario, el símbolo es el Hombre. El carácter que tienen las ilustraciones es mostrar el dilema del ser humano. El pato no simbolizada nada para mí, personalmente. El es usado como el catalizador en el proceso gracias al cual el ojo del espectador podrá interpretar”. 

Resaltar que el finlandés a diferencia de otros artistas es un trabajador nato, no espera que la inspiración llegue, sino que trabaja y trabaja mientras le van surgiendo ideas. Una buena muestra de ello es la amplia producción que tiene a sus espaldas. Es un verdadero creador sumergido en el acto de pintar.

Añadir como curiosidad dentro de la obra de Kaj Stenvall, que durante este último año, tal como trabajaba la figura del pato en sus obras, ha trabajado la figura de un perro con aspecto también de serie de animación.

En la pintura de Stenvall además de la influencia de los grandes artistas y las grandes obras de arte no podemos olvidar la de las películas y series de animación entre otras, los famosos cómics o la literatura. Su obra tiene un significado propio, pero sin perder esa atmósfera del Pop Art norteamericano y del Surrealismo. Sus figuras son un retornar a la cultura popular y contribuir al absurdo como si del Surrealismo de Magritte se pudiera tratar. Dicho artista junto a su obra, es una de las mayores curiosidades del arte actual tanto en Finlandia como a nivel internacional.

Apoyo para el artículo:

http://artodyssey1.blogspot.com.es
http://www.biginfinland.com
http://www.kajstenvall.com/

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La portada seleccionada ha sido la propuesta por Javier Fernández Roldán, diseñador especializado en 3D y animación. Aquí os dejamos su web para que veáis más trabajos.

Muchas gracias a todos los participantes por su esfuerzo y apoyo a la revista. Esperamos seguir contando con vosotros para próximas ediciones.

¿Qué os parece nuestra nueva portada?

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 Hay que tener cierto valor para adentrarse en el mundo Arbus, porque es tan crudo y real que duele, como la verdad, esa verdad que se te mete muy dentro y ante la que muchos no pueden más que mirar hacia otro lado.

 Sin embargo, si se tiene esa sensibilidad al arte, ese ojo curioso que quiere ver más allá de un pasado escrito en los libros y conocer a esos extraños personajes retratados por una Arbus prácticamente demacrada y, obviamente, trastornada por sus propios fantasmas.

Judía y neoyorquina, nace en una sociedad corrupta y dominada por la mafia y la famosa ley seca. En una tempranísima adolescencia conoce a Allan Arbus y antes de cumplir los 20 ya se han casado y se dedican a la fotografía de moda en revistas como Vogue o Harper’s Bazar. Sin embargo, esto jamás queda reflejado en su estilo, tan opuesto a la elegancia y esplendor de las modelos que salían en las portadas de las revista. Al separarse de su marido, Arbus, más famosa que él dentro del mundo de la fotografía, continúa su camino alejándose del glamour de los diseñadores de moda.

En muchas ocasiones, mientras reflexiono observando fotografías diversas, me imagino a Diane Arbus, entre perdida y ebria, caminando, casi vagando por las calles oscuras de una Nueva York nocturna repleta de personajes desgraciados y desgastados de la vida. Con su cámara y su flash, cargándolos de extraña manera y vestida casi con harapos, ojeras y despeinada, la joven anda despacio, arrastrando los pies y arrastrando un alma que le pesa toneladas de dolor. Y me imagino entonces cómo dobla la esquina y se topa con un grupo de prostituas que hablan y ríen como hienas en torno a un enano del que se burlan con cierta lástima, y se acerca a ellos y comienzan a charlar. Porque antes de retratarlos, ella habla con ellos, los conoce y les explica lo que hace. Y les obliga a mirar a la cámara, porque son personas que están ahí y que reclaman un lugar en esta sociedad. El siguiente paso era el click, un momento ardiente y complejo, duro y real y tremendamente oscuro a pesar de la luz de un flash directo que marcaba esa sombra al fondo de la fotografía y que se convirtió en un sello característico de la artista y en el comienzo de un nuevo estilo.

 Trasvestis, enfermos mentales, enanos, prostitutas, personajes de circo, extraños, gemelos, gigantes, y cualquier peculiaridad del ser humano que atrayera la atención de Arbus. Constantemente precedía una conversación al momento de la serie fotográfica que tomaba a casi todos ellos y, en otras muchas ocasiones, la empatía que se poseía de su ser junto con las sustancias que ingería y su propio estado de ánimo la llevaban a mantener relaciones íntimas con sus extraños modelos, hacia los que sentía una profunda admiración inspirada por la belleza de lo grotesco.

Ella fue la pionera al utilizar el flash de relleno y ese disparo directo a la cara del retratado, con tensión y fuerza, colocando a los personajes en el centro, en unas poses tan normales como siniestras, y sin ningún tipo de puesta en escena o elementos más estrafaliaros que los propios personajes, lo monstruoso se hacía presente desde el ser humano defectuoso que mostraba su espíritu ante una fotógrafa que realmente sabía verlo.

Otra de las características de Diane Arbus y propia de su estilo es la no existencia del momento decisivo. Aunque buscaba por las calles más peligrosas de Nueva York, su fotografía era una especie de resultado de un pacto y no el trabajo de un fotógrafo que se sienta en un banco y observa todo lo que sucede a su alrededor con sumo cuidado para disparar, casi sin ser visto, y obtener “la foto” de un momento irrepetible. Sus fotografías son oscuras e inocentes, tan tiernas como siniestras y te producen un shock mental y una confusión de sentimientos que van desde la desolación más absoluta, pasando por la pena y quizás, porqué no decirlo, la repulsión y un irrefrenable deseo de abrazar y dar cariño a todos esos seres desamparados.

Sin embargo, todo esto habla de la propia fotógrafa. Ella era un pequeño monstruo que quería salir a la luz, su vida era un continuo desequilibrio, cambios de humor violentos y tendencias autodestructivas que la llevaban de una depresión a otra. Ella era un ser sensible y delicado, demasiado vulnerable para ver y protagonizar todo lo que vivió. Quizás estaba demasiado sola, o puede que perdida en un mundo de hombres. Alcanzó cierto reconocimiento al final de su carrera, pero tuvo que morir para que el mundo quisiera ver su trabajo.

Diane Arbus enseñando una de sus fotografías

Entre drogas y alcohol se fue. Dejó su cámara y se suicidó. Con 48 años ya había visto demasiado, agotada de la vida, dejó una de las mejores obras fotográficas de la historia, llena de dolor y esperanza. Diane Arbus, casi un siglo después, sigue inspirando a todo aquel que se asome a la puerta de sus imágenes.

“La fotografía es un secreto que habla de un secreto. Cuanto más te dice, menos te enteras” Diane Arbus era callada. Así la imagino yo, siempre en silencio y solitaria, reflexiva y dudosa. Diane Arbus era fotógrafa. Diane Arbus era depresiva. Diane Arbus era drogadicta. Diane Arbus era solitaria. Diane Arbus era bisexual. Diane Arbus era inspiración. Diane Arbus era perdición. Diane Arbus era, simplemente, un secreto.

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A lo largo de la historia del arte, se ha podido comprobar que el papel de los historiadores ha sido fundamental, no solo por el trabajo de estudio, investigación,  documentación, catalogación y puesta en valor de periodos, movimientos y artistas, sino también para generar todo un entramado mediático alrededor de los grandes hitos culturales de la historia. Pues bien, en este sentido, los historicismos nacionalistas y academicistas siempre han tenido un papel primordial a la hora de componer tanto la historia universal, como la historia del arte. Con esto no debemos generalizar diciendo que todos los estudios desde el punto de vista nacional sean un mecanismo de propaganda para ensalzar la importancia de un estado, pero es algo que suele estar latente, ya que predomina en este tipo de investigaciones el gusto por “barrer hacia casa”.

Sin más dilación, debemos imbuirnos en la magnifica exposición que tuvo lugar en Múnich, con motivo del  centenario de la visita de Duchamp a la ciudad bávara. La exposición permaneció desde el 31 de marzo hasta el 15 de julio, bajo el nombre de Marcel Duchamp en Múnich.

cartel de la exposición

La exhibición se dispuso en las inmediaciones de todos los grandes museos y pinacotecas de la ciudad (Alte Pinakothek, Neue pinakothek…). El emplazamiento era importante, ya que a lo largo de toda la exposición se hacía referencia a como Duchamp recorrió casi a diario esta zona, para disfrutar y aprender de las obras de los grandes artistas como Durero o Lucas Cranach el viejo, del que se sintió muy influenciado durante toda su producción artística, si tomamos en consideración lo que él mismo decía.

Pero, ¿cómo llegó el que sería el renovador de la historia del arte del s. XX, el impulsor del arte conceptual, a la capital bávara en el verano de 1912? Y, ¿por qué?

Esas y otras preguntas son las que el historiador y artista contemporáneo Rudolf Herz ha querido responder en su investigación. Su estudio quedó recogido en el libro Marcel Duchamp- Le Mystère de Múnich, que se materializaría en esta exposición y en una obra escultórica de carácter arquitectónico realizada junto al arquitecto Peter Ottmann para las inmediaciones de la Alte Pinakothek y la Neue pinakothek.

Libro de Rudolf Herz

Escultura Herz

El fin de esta escultura de grandes dimensiones es remitir a la vivienda en donde se alojó Duchamp. De hecho, la ubicación se ha circunscrito a las cercanías de donde se encontraba la propia casa de la familia que le acogió en el Barer Straße 65. La recreación de esta vivienda del ingeniero y la costurera que alojaron al joven artista, se ha realizado mediante hormigón armado de escala 1:1, inclinado 90 grados.

Duchamp, con 25 años de edad, marchó en junio a Múnich, para pasar unos días con su amigo bávaro Max Bergmann, pero al final acabaría prologando su estancia durante tres meses. Se sentía a gusto en la ciudad, estaba descubriendo la técnica alemana y, al visitar Deutsches Museum, descubrió  el  mundo  de  la  tecnología industrial y se quedó maravillado de su precisión. En este sentido, Herz quiere recalcar la idea de que fue en este momento cuando Marcel Duchamp comenzó a fraguar el concepto del ready made. Y aunque no hace una afirmación taxativa, si destaca ciertos acontecimientos personales que evidencian que la estancia de ese verano en Munich repercutió en su evolución de comprensión del arte.

Un punto neurálgico de este salto artístico fue el motivo de su precipitada salida de París. Este hecho se lo debemos al  Desnudo bajando la escalera, nº 2, de 1912, que fue rechazado y criticado en el Salón de los Independientes, en el cual se encontraban sus dos hermanos, lo que en cierta manera le produjo desasosiego, pues no acababa de encajar en el ambiente artístico parisino.

Desnudo bajando una escalera

Por otro lado, Duchamp se encontraba en una etapa de amores y desamores. En 1911 rompió la relación con su amante Jeanne Serre, con la que tuvo una hija, de la cual no supo nada hasta ocho años más tarde.  También se enamoró de Gabrielle Buffet-Picabia, la mujer de su buen amigo Francis Picabia. En estas circunstancias personales, el viaje a Múnich le resultaba, según lo que anotó en sus diarios y en las postales que enviaba a sus amigos, una formula para ver los problemas desde otra perspectiva y seguir adelante.

Herz destaca que el episodio vital de Duchamp en Múnich, aunque se ha tapado o pasado por alto en muchas investigaciones biográficas del artista, está repleto de “significados históricos del arte y de la anécdota personal”.

Retomando la idea de ready made, en la exposición de Lenbachhaus han querido partir de la frase que el propio Duchamp diría: Mi estancia en Munich fue el escenario de mi completa liberación. Con esta idea se construyó el nexo de unión del discurso expositivo, y como  antecedente   trajeron por primera vez a Múnich, desde el Philadelphia Museum of Art, la obra Desnudo bajando la escalera, nº 2, de 1912, además de otras numerosas obras, como La Novia, del miso año, 1912, dibujos preparatorios y escritos de su puño y letra, con ideas para las posteriores obras en concepto de ready made, entre ellas el hito de La rueda de bicicleta, de 1913, su primer ready made, actualmente en el MoMA. En este sentido, en el espacio museístico se presentó una copia  de El Gran Vidrio, 1915-1923, para que el espectador pudiera ir percibiendo la evolución artística de Duchamp.

La novia 1912

Con toda esta investigación, Rudolf Herz busca sacar a relucir la importancia que supuso la etapa del artista en Munich, ensalzando el aprendizaje de Duchamp en la ciudad y evidenciando el hecho de que aunque durante un tiempo se trataron de borrar todas las huellas de su estancia en Múnich, tal y como dice en el libro, el mismo Duchamp le otorgaba el puesto honorifico a esta ciudad, pues es donde encontró su liberación. De esta manera, es el propio Duchamp quien pone en valor el papel de relevancia de Múnich dentro de las raíces del arte conceptual.

Para concluir podemos tomar la frase casi profética que diría Duchamp años más tarde:

“El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas”. 

Fuentes bibliográficas y virtuales:

Herz, R., Marcel Duchamp- Le Mystère de Munich. München, Moser Verlag, 2012. http://www.architekturmuseum.de/ausstellungen/detail.php?which=248&show http://editorialkrausse.com/archives/930  (Editorial Krausser) http://arttattler.com/architecturemarcelduchamp.html (Fotografías proyecto Herz

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